Haruki Murakami schreibt nicht in einem bestimmten Genre – der japanische Literaturriese ist ein Genre für sich. Obwohl seine umfangreiche Bibliografie ihn in alles eintauchen lässt, von magischem Realismus und hartgesottenen Kriminalgeschichten bis hin zu geradliniger Literatur und Fitnesskommentaren, sorgt seine einzigartige Sichtweise dafür, dass jedes Genre, das er wählt, seinen Vorstellungen entspricht – und nicht umgekehrt.
Mittlerweile sind die Markenzeichen des Schriftstellers jedem bekannt, der auch nur ein flüchtiges Interesse an zeitgenössischer Literatur hat. Seine Geschichten entfalten sich wie aufsteigender Dampf über einem See und fließen in scheinbar richtungslosen Mustern, bevor sie etwas Unbeschreiblich Schönes formen. Seine Protagonisten sind oft ziellose Männer, die scheinbar damit zufrieden sind, das Leben geschehen zu lassen. Doch während sie in immer surrealere Abenteuer hineingezogen werden, machen ihre passive Haltung und ihre Bereitschaft, sich auf alles einzulassen, Murakamis bizarre Handlungen relativ normal erscheinen.
Durch das nahtlose Verschieben des Fokus zwischen den banalen Details des Alltags und den fantastischen Elementen, die er nach und nach einführt, webt er zarte literarische Tapisserien, die gleichermaßen deprimierend und lebensbejahend sind.
Doch die stilistischen Entscheidungen, die Murakami zu einem Gott unter den Schriftstellern gemacht haben, sind dieselben, die ihn größtenteils aus Hollywood herausgehalten haben. Da seine Romane die konventionellen Erzählregeln freudig brechen, sind die einzigen Dinge, die den Zug auf den Gleisen halten, seine klaren Sätze und seine vernichtende Sprachgewalt. Seine Geschichten werden oft in der ersten Person erzählt, wodurch seine präzise Ausdrucksweise gleichzeitig als Augen und Ohren seiner Leser und Protagonisten wirkt.
Es ist schwer vorstellbar, dass seine berühmtesten Geschichten in einer Welt funktionieren, in der der Mann selbst nicht die volle Kontrolle über jedes Detail hat. Daher gelten Klassiker wie „Kafka am Strand“ und „Die Chroniken des aufziehbaren Vogels“ seit langem als unverfilmbar für Murakami-Anhänger. (Das heißt nicht, dass niemand bereit war, es zu versuchen – der Autor ist dafür bekannt, praktisch jeden Filmantrag abzulehnen, der an ihn herangetragen wird.) Für den größten Teil seiner 40-jährigen Karriere mussten sich Murakamis Kinofans mit den Bildern zufriedengeben, die er mit seinen Worten hervorruft.
Es gibt einige großartige Ausnahmen von dieser Regel – wie Ryusuke Hamaguchis triumphalen „Drive My Car“ – aber diese Filme basieren auf einigen von Murakamis konventionellsten, realistischsten Werken. Es ist eine Seltenheit, eine ernsthafte Murakami-Adaption zu sehen, die versucht, seinen berühmten magischen Realismus auf die große Leinwand zu bringen.
Pierre Földes‘ bezaubernde neue animierte Anthologie „Blind Willow, Sleeping Woman“ zeigt, dass selbst das am stärksten Murakami-geprägte Ausgangsmaterial in den richtigen Händen in ein Kinoerlebnis verwandelt werden kann. Der Film adaptiert mehrere der Kurzgeschichten des Autors (aus seiner gleichnamigen Sammlung) und übernimmt gleichzeitig Elemente aus größeren Werken wie „Die Chroniken des aufziehbaren Vogels“. Das Endergebnis ist ein Film, der weniger für die Reisen seiner Figuren bemerkenswert ist als für seine Fähigkeit, Murakamis kreatives Ethos einzufangen. Jeder, der mit seinem Werk nicht vertraut ist, könnte diesen Film sehen und mit einem ziemlich soliden Verständnis dafür gehen, worum es bei all dem Hype geht.
„Blind Willow, Sleeping Woman“ spielt im Nachgang des verheerenden Tōhoku-Erdbebens von 2011 in Japan und verfolgt eine Gruppe von mittelalten Charakteren, die auf unterschiedliche Weise mit dem Trauma umgehen. Kyoko (Shoshana Wilder) ist in einen katatonischen Schockzustand verfallen und verbringt fünf Tage und Nächte damit, gebannt die Katastrophenberichterstattung im Kabelfernsehen zu verfolgen. Ihr Ehemann Komura (Ryan Bommarito) ist verständlicherweise besorgt, da seine Ehe im Grunde das Einzige ist, was er hat. Er ist vollkommen zufrieden damit, einen anspruchslosen Job in einer riesigen Bank zu haben und jeden Abend zu seiner Frau nach Hause zu kommen, hat aber keine wirklichen Interessen.
Kyoko beschließt, mitten in der Nacht aus Tokio zu fliehen und hinterlässt ihrem Mann nur einen Zettel, auf dem sie ihn bittet, keinen Kontakt mit ihr aufzunehmen. Komura entscheidet sich, eine Woche Urlaub zu nehmen, um den Schock zu verarbeiten, nur um von seinem Chef darüber informiert zu werden, dass seine Stelle wahrscheinlich bald gestrichen wird. Mit dem gleichzeitigen Verlust von Ehe und Karriere gerät sein Leben ins Wanken, und er beschließt, seinen Urlaub damit zu verbringen, im Auftrag eines Kollegen ein geheimnisvolles Paket auszuliefern.
Doch er ist nicht der einzige Bankangestellte, der eine schlechte Woche hat. Katagiri (Marcello Arroyo) ist ein trauriger 44-jähriger Schuldeneintreiber, der in Schwierigkeiten gerät, weil er es nicht schafft, einen riesigen Kredit einzutreiben. Nachdem ihm mitgeteilt wurde, dass er wahrscheinlich bei der bevorstehenden Entlassungswelle betroffen sein wird, kommt er nach Hause und findet einen riesigen anthropomorphen Frosch in seiner Küche. Der Frosch verspricht, seine beruflichen Probleme zu lösen, wenn Katagiri ihm hilft, einen riesigen Wurmangriff abzuwehren, der angeblich in wenigen Tagen ein weiteres tödliches Erdbeben verursachen soll. Mangels anderer Optionen stimmt der Banker zu, sein Vertrauen in das Amphibium zu setzen.
Die Geschichten verflechten sich nach und nach auf typische Murakami-Art und ergeben ein wunderschön unvollständiges Bild von normalen Menschen, die versuchen, Übergangsmomente in ihrem Leben zu bewältigen. Sowohl die textlichen als auch die visuellen Komponenten des Films zeigen ein hervorragendes Verständnis von Murakamis Stil und schaffen es dennoch, neue filmische Elemente in die Geschichten einzuführen.
Die ausdrücklich episodische Natur des Drehbuchs – jede der sieben Kapitel ist nummerisch auf dem Bildschirm beschriftet – trägt wesentlich dazu bei, das Gefühl des Lesens eines Murakami-Romans einzufangen. Und die künstlerische Entscheidung, zwischen so vielen Handlungssträngen hin und her zu wechseln, hilft, die „absurde Dinge können passieren, aber nichts ist wirklich wichtig“-Stimmung wiederzugeben, die seine Leser so gut kennen. Nur in einer Murakami-Geschichte würde ein monsterbedingtes Erdbeben, das Tokio in Schutt und Asche legen droht, mit all der Unannehmlichkeit eines verschobenen Arzttermins abgewunken werden.
Földes‘ Animationsstil passt ebenso perfekt zum Ausgangsmaterial. Der Film entfaltet sich wie ein Bilderbuch für Erwachsene und verleiht den Geschichten von traurigen Schuldeneintreibern und lüsternen Boten eine unschuldige Qualität. Und obwohl alles kompetent genug gezeichnet ist, um die Handlung voranzutreiben, ist nichts jemals so schön, dass es die „Das könnte ich mir an die Wand hängen“-Reaktionen hervorrufen würde, die großartige Animationsfilme oft auslösen. Das kommt dem Film zugute, da es die Vorstellung betont, dass all diese heiligen Dinge in einer völlig alltäglichen Welt geschehen.
Man kann nur hoffen, dass alle Murakami-Novizen, die den Film mögen, ihn als Ausgangspunkt für einige seiner größeren Romane nutzen. Obwohl die Geschichten, die den Film ausmachen, durchaus charmant sind, fehlt ihm letztendlich das erzählerische Gewicht seiner besten Werke. Dennoch gelingt Földes‘ Film sowohl als Hommage an eine lebende Legende als auch als Erinnerung daran, dass nichts jemals so unverfilmbar ist, wie es scheint. „Blind Willow, Sleeping Woman“ ist bei weitem nicht der definitive Murakami-Film. Aber fürs Erste ist es einer der besten, die wir haben.