Selbst wenn er nicht versucht, lustig zu sein, ist Lachen oft die erste Reaktion auf William Shatner. Manche betrachten ihn als Karikatur. Was Alexandre O. Philippes nachdenklicher, suchender neuer Dokumentarfilm „You Can Call Me Bill“ enthüllt, ohne jemals so direkt zu sein, dass das Lachen mehr über uns aussagt als über Shatner. Über unsere Unfähigkeit, jemanden so komplex, so trotzig unwiderlegbar wie den Mann, der einmal Captain Kirk war, vollständig zu begreifen.
Shatner ist vielleicht der größte Meister der Schönrederei in der Popkultur und es gibt kein Thema, zu dem er keine Meinung hat. Er hat sie bereits in der Dokumentation von Peter Jaysen aus dem Jahr 2001 „Mind/Meld“, in der von ihm selbst inszenierten Dokumentation von 2011, die auf das Erbe von „Star Trek“ in seinen vielen verschiedenen Inkarnationen zurückblickt, „The Captains“, und wie in Philippes neuem Film zu sehen, über Poesielesungen vor einem Live-Publikum, manchmal begleitet von einem Orchester, ausgedrückt. Diese Live-Events zeigen, wie „You Can Call Me Bill“ durch Crowdfunding finanziert werden könnte.
Für seinen weitgehend direkt vor der Kamera gedrehten Film weiß Philippe, dass er Shatner einfach reden lassen kann und das Ergebnis eine Art Dokumentarporträt als Stream-of-Consciousness-Ein-Mann-Show sein wird. Alles, was er tun muss, ist, den Mann reden zu lassen. (Philippe selbst ist nur einmal zu hören und drückt seine Hoffnung aus, dass Shatner am nächsten Tag zurückkehren wird, um weitere Aufnahmen zu machen.) Der Film ist einfach eine ausgedehnte Monolog von Shatner über sein Leben, seine TV- und Filmrollen und seine verschiedenen philosophischen Überlegungen. Diese Überlegungen sind jedoch selten bei einem Prominenten seiner Statur zu finden, der bereit ist, sie öffentlich auszudrücken. Es gibt hier eine Offenheit und Rohheit, die von Natur aus fesselnd ist.
Mal spricht Shatner über seine intensiven Gefühle der Einsamkeit im Leben; mal erzählt er eine alberne Geschichte darüber, wie ihn ein Seehund im Wasser gepackt hat. Er eröffnet den Film mit einer zerstörerischen Geschichte über seine Eltern, die düster agieren und ihm sagen, dass sein geliebter Hund draußen sei, nur um ihn seinen toten Hund finden zu lassen, dessen Eltern ihm die traurige Nachricht vorenthalten haben, damit er sie selbst entdecken kann. Und Minuten später spricht er über die Bedeutung von Timing im Zusammenhang mit Komödie, wie zum Beispiel bei der Eröffnung der AFI-Ehrung für George Lucas. Shatner sagt im Hinblick auf eine ähnliche Auszeichnung, die er selbst erhalten hat, dass er einen Lifetime Achievement Award für „die Pflege seines inneren Kindes“ verdient hat. Er spricht darüber, „im Moment zu leben“, indem er die Verbindung findet, wenn er auf einem Pferd reitet und imitiert dann die Zungenfertigkeitsbewegung einer Eidechse.
Über weite Strecken liefert Philippe visuelle Gegenpunkte über Clips aus Shatners umfangreicher Karriere, von Fernsehsendungen aus den späten 50er Jahren und Filmen wie „Das Urteil von Nürnberg“, „Der Eindringling“ und „Incubus“ über „Star Trek“ bis hin zu Denny Crane in „Boston Legal“. Dies ist ein Dokumentarfilm, der sich mit der Geschwindigkeit des Denkens bewegt, aber dennoch gut durchdacht ist. Nichts, was Shatner sagt, sagt er leichtfertig. Selbst wenn er albern ist, ist er aufrichtig. Und es ist eine Hommage an Philippes außergewöhnliche Filmkunst, gegen einen dunklen, neutralen Studio-Hintergrund, mit sichtbarem Boom-Mikrofon gedreht. Die Kamera bewegt sich um Shatner herum, bis er manchmal fast aus dem Bild zu rutschen scheint. Philippe wechselt von einer Kameraeinstellung zur anderen und ändert die Winkel mit einer Virtuosität, die diesen Film als den fesselndsten Interview-getriebenen Dokumentarfilm seit Errol Morris‘ „Wormwood“ auszeichnet, in dem die Kameramann Ellen Kuras für ein einziges (inszeniertes) Interview jederzeit zehn Kameras verwendet hat. Das ist in etwa das, was Philippe und sein Kameramann Robert Muratore hier erreicht haben. Dass ihre Kameras in der Lage sind, dynamisch auf das zu reagieren, was Shatner sagt, während er von einem Tangenten-Thema zum nächsten springt, ist ein Meilenstein im responsiven Filmemachen.
Was hier deutlich wird, ist, dass nur wenige populäre Persönlichkeiten das Tiefgründige und Alberne so perfekt vermischen wie Shatner. Diese Mischung katapultierte das Original „Star Trek“ in die Sphären der Obsession: Mal hast du einen scharfsinnigen Einblick in Ethik und Entdeckung und was es bedeutet, menschlich zu sein, und die Geheimnisse des Universums – und dann hast du Shatner, der gegen einen Mann in einem riesigen Eidechsenkostüm kämpft. Dass Shatner diese Kombination so perfekt verkörpert, macht ihn zum besten Schauspieler aller „Trek“-Darsteller. Es ist eine Kombination, die auf die Idee des Hofnarren zurückgeht, auf Shakespeares Narren, die am meisten wussten, aber oft am wenigsten verstanden wurden.
Shatner löst alle Hierarchien auf. Gut, schlecht, hoch, niedrig … alles irrelevant in seiner Arbeit. Sein einziger Regieversuch für die „Trek“-Reihe, der Film „Star Trek V: Am Rande des Universums“, fängt seine Sensibilität wie nichts anderes ein: Kitsch, der zur Celestialität erhoben wird, einige der schlechtesten Produktionswerte, die man in einem großen Blockbuster sehen wird, gepaart mit wirklich nachdenklichen Ideen. In diesem Film verfolgt die Enterprise-Crew den Planeten, auf dem „Gott“ lebt, findet heraus, dass er ein Scharlatan ist und tötet ihn mit Hilfe einiger Klingonen. In diesem Film erhält DeForest Kelley die beste Darstellung seiner Karriere, in der Bones daran erinnert, dass er bei seinem sterbenden Vater den Stecker gezogen hat. Wo tiefer Kitsch auf tiefes Gefühl trifft.
Die üblichen Qualitätsmerkmale gelten nicht für Shatner. Was er stattdessen liefert, ist Intensität. Oder wie er es in „You Can Call Me Bill“ ausdrückt: „Leidenschaft“, das, was er sagt, motiviere sein Leben mehr als alles andere. Das hielt ihn am Laufen, obwohl so viel des Lebens, wie er es ausdrückt, „ein Wartezimmer“ ist, in dem man auf die nächste Pause, die nächste Form der Erfüllung wartet. Er erinnert sich an Philippe, wie er im Oktober 2021, als Neil Armstrong und Buzz Aldrin auf dem Mond landeten, „Star Trek“ abgesetzt wurde, er pleite war und in seinem Auto lebte und den historischen Moment auf einem tragbaren Fernseher ansah. Doch man hat das Gefühl, dass er selbst dann nicht beraubt war, weil seine angeborene Neugier auf das Leben und darauf, was als nächstes kommt, seine Leidenschaft intakt hielt. Philippe hat ein Porträt eines komplett ironiefreien Individuums geschaffen, jemanden, der, wenn er versucht, lustig zu sein (wie in den vielen Priceline-Werbespots, die in den Film eingewoben sind), nicht so lustig ist wie wenn er einfach er selbst ist.
Die einzige andere Figur, die Shatner in der Hollywood-Szene nahekommt, ist Nicolas Cage, dessen kabukihaftes Schauspiel immer maximalistisch ist, aber wie Shatner auch auf die intimsten Themen dessen eingeht, was es bedeutet, Mensch zu sein, was es bedeutet, sich auszudrücken. Cage wurde von den üblichen Branchenauszeichnungen weitaus mehr gefeiert; ein Oscar wird nicht in Shatners Zukunft liegen. Aber Philippe hat ihm etwas noch Bedeutenderes gegeben: Er hat für immer diesen realen 91-jährigen Sternenkind eingefangen, den kinematografischen Schutzpatron von all denen, die mit gleicher Begeisterung sehnsüchtig zum Himmel schauen – und sich im Spiegel betrachten.
„You Can Call Me Bill“ ist ein fesselnder und rührender Dokumentarfilm, der das Leben und die Karriere von William Shatner auf eine Art und Weise porträtiert, die nur wenige andere Dokumentarfilme erreicht haben. Alexandre O. Philippe lässt Shatner einfach reden und seine Gedanken frei fließen, was zu einer Dokumentation führt, die sich mit der Geschwindigkeit des Denkens bewegt und dennoch gut durchdacht ist. Philippe verwendet eine Vielzahl von visuellen Gegenpunkten, um Shatners Leben und Arbeit zu illustrieren, was dem Film ein dynamisches Gefühl gibt. Dies ist ein Dokumentarfilm, der sich lohnt, gesehen zu werden, selbst für diejenigen, die nicht unbedingt Fans von Shatner oder „Star Trek“ sind.