Es gibt etwas pervertiert Post-Dadaistisches in der Welt, in der wir leben, von den fluxusartigen, vergänglichen intermedialen Kreationen, die TikTok heimsuchen, bis zur Ironie von Memes, die als zeitgenössische Übertragungen der situationistischen Détournements fungieren. Mit zunehmender Verbreitung dieser Ideen reagierten bestimmte Szenen, indem sie jede Diskussion außerhalb ihres unmittelbaren klanglichen Inhalts abblockten. Insbesondere die Noise-Musik scheint eine reduzierte und konservative Wahrnehmung von sich selbst anzunehmen, wobei Künstler (und Kritiker) oft ihre transgressive Seite betonen und die Fähigkeit zur Erzeugung neuer Empfindungen vernachlässigen. Dies ist eine verwirrende Entwicklung, wenn man bedenkt, wie sehr die Ästhetik von Harsh Noise Wall-Musikern wie Romain Perrot aka Vomir von außermusikalischen Kontexten abhängt, während Gruppen wie Wolf Eyes von Nate Young und John Olson zwischen Welten leben und kontinuierlich metafiktionale Themen mit erhabenen musikalischen Ergebnissen in Einklang bringen.
„Dreams In Splattered Lines“ ist das expliziteste Werk des Duos in diesem Sinne und eine weitere Entwicklung der auf dem gemeinsamen Album „Difficult Messages“ präsentierten Ideen in diesem Jahr. Das Material des Albums wurde von einer Reihe von Performances, visuellen Kunstwerken, selbstgebauten Instrumenten und Ereignissen inspiriert und darauf aufgebaut und folgt einem methodischen Rahmen, der eng an die Praktiken der Surrealisten der 1960er Jahre erinnert. Obwohl das Albumformat per Definition einen begrenzten Blickwinkel bietet und den Prozess, der zur Musik geführt hat, verdeckt, zeigen jede der dreizehn Tracks des Albums kurze Einblicke in die dahinterliegenden Konzepte, eingebettet in eine fesselnde Klang- und Erzählungskollage.
Nehmen wir zum Beispiel den Opener „Car Wash Two w/ Short Hands“. Verzerrte Stimmen, Kassettengeräusch und flackernde, sich auflösende Beats treten in Erscheinung und verschwinden wie ein AM-Empfänger, der zwischen Frequenzen wechselt. Es überrascht dann nicht, zu erfahren, dass der Track tatsächlich im Autoradio gespielt und während einer Autowäsche aufgenommen wurde.
Obwohl sich jeder nachfolgende Track wahrscheinlich ähnlich einfallsreicher Techniken bedient, sind Olson und Young zu versiert, um ihre Musik in ungreifbare Abstraktionen abdriften zu lassen. Stattdessen folgt die Musik einer aufwärts gerichteten, immer fesselnderen Entwicklung, geprägt von gebrochenen Rhythmen und eingängigen Melodien, wie den aufsteigenden elektrischen Knallern und wässrigen Spritzern von „Radio Box (excerpt)“ bis hin zu den krachenden Mülltonnen-Perkussionen und den knirschenden, an Lightning Bolt erinnernden Gesangseinlagen von „Dreams In Shattered Time“.
Bei Songs wie „Engaged Withdrawal“, „Exploding Time“ und „My Whole Life“ tauchen Fragmente von verzerrter gesprochener Sprache unter zerstreuten Texturen auf, begleitet von Klarinetten-Imitationen und gelegentlich auch von neonbeleuchteten Darkwave-Synthesizern, was wiederum an Surrealisten aus Chicago wie Franklin Rosemont, Penelope Rosemont und Tor Faegre erinnert. Obwohl sie unverständlich gemacht sind, werden die Texte mit Biss und Überzeugungskraft vorgetragen und deuten auf eine Geistesgegenwart hin, die weit über das Autotelische hinausgeht. Zusammen erzeugen sie die Vorstellung eines Untergangspropheten auf einem belebten Platz, dessen warnende Klagen von der alles verzehrenden urbanen Chaos überlagert werden.
Pulsierende Weltraumstrahlen, Vogelrufe, schlangenbeschwörende Holzblasinstrumente, harte Noise-Stiche, quietschendes Spielzeug und federnde Rhythmen à la Black Dice vermischen sich in den restlichen Tracks. Es gibt zu viele Momente von genialer Brillanz, um sie alle aufzulisten, aber trotz allem fügen sie sich letztendlich zu einem eng verbundenen und fast eingängigen Ganzen zusammen. Obwohl uns ihre genaue Natur unbekannt ist, gibt es eine Methode in dieser Entropie, eine unsichtbare konzeptionelle Kraft, die es Wolf Eyes ermöglicht, eine weitere Facette ihrer kreativen Fähigkeiten zu entdecken.